Misantropie

MISANTROPIE

From Molière to medieval bestiaries, inspired by H. Bergson’s Le rire: Essai sur la signification du comique

I fall
Into black humours and profound disgust,
To see men treat each other as they do;
There’s nowhere aught but dastard flattery,
Injustice, treachery, selfishness, deceit;
I can’t endure it, I go mad —and mean
Squarely to break with all the human race
.

The Misanthrope – Molière

Directed by
Gesualdi | Trono

With
Napoli-Poggioreale’s Prisoners

Costumes
Federica Terracina

Production
Napoli Teatro Festival e TeatrInGestAzione
In collaboaration with
Casa Circondariale Napoli Poggioreale

Sketches by Federica Terracina

Misantropie was born as a result of the scenic creation/production workshop aimed at prisoners of the Poggioreale Prison in Naples. A performance that comes to life throughout practice that passes from body to body. 

Prison represents itself and ourselves as a synthesis of the spoiled and deformed society we live in. Somewhere on the edge of existence, a place to be consulted as a contemporary bestiary, if necessary. 

Here, our misanthrope is a man among the beasts. Settled in a cage, he is surrounded by peacocks, hyenas, chameleons and other animals, while he struggles between instinct and morals as he sinks into Célimène’s intestines. 

But the beast we are talking about cannot be traced back to an individual; he has no name and no surname: he is mass, he is an attitude, he is surrendering. 

It is not a rewriting of the Misanthrope but an observatory on the dehumanisation; a decalogue on becoming the beast; a map for the descent into hell, and how man is ridiculous in affirming his superiority.

A waste land lies in the middle of the sea

A waste land lies in the middle of the sea

Outcome and workshop with the elderly guests of the San Giovanni Bosco sheltered house (MO), on the occasion of Trasparenze Festival 2019 Modena.


Direction Gesualdi|Trono
Photo Vicky Solli

The invitation of the “Teatro dei Venti” arrives on time, during a period of research focused on the act of disappearing, the disillusionment, the cancellation of every trace of humanity, up to its extinction.
These are the questions we want to share during this precious encounter with those whose body is marked, highlighted, by the passage to never.
We will not do so by questioning the intimate and subjective dimension, but the political one: the extinct political-body; the process of corruption of the dead body, as a metaphor for a defective civilisation.
It is in the transition to no longer than our presence becomes inevitably political when the body is no longer tied to an identity, but becomes an object, a waste, an rest to take charge. Someone will have to handle our corpse, whose weight will be directly proportional to the memory it carries with it. Is it not then, this becoming a “waste”, a subversive act?

The poems “Waste Land” by T. S. Eliot guide us in this consideration.
An “unreal city”, a “Paese Guasto” (as the poet Caproni calls it, following the suggestion of Dante), which Eliot sings through the prophetic voice of Tiresias:

You who were with me in the ships at Mylae!
That corpse you planted last year in your garden,
Has it begun to sprout? Will it bloom this year?

Stream~Meditations

Stream~Meditations

Initially conceived as a conference; Stream is an intermedial artistic format that stages streams of thinking; soliloquies condensed in an acoustic and hypnotic space. The diachronic composition is divided into thematic meditations, involving authoritative and sensitive voices, invited to a dialogue deferred in a digital dimension.

We needed to create a space where we would welcome the authenticity of thought as it manifests itself between the lips, while words are still being grown in the mouth before rounding off into sound.

Its composition method is designed to avoid the illustrative approach typical of the conference, which usually gathers the experts’ speeches in a pre-constituted form that excludes the audience from the space for reflection.

Chosen a topic; identified the speakers with expertise; we share materials and ideas in a unique and singular exchange, during a private conversation. Then we ask speakers to record a soliloquy, in a single breath, which remains uncut. The words are transferred to a musician and composer who puts them into dialogue with sound. Words and music are then placed in a digital space, defined by a single colour processed in imperceptible variations. The operation consists of thematic cycles collected on these web pages.

Curated by
TeatrInGestAzione

Direction
Gesualdi | Trono

Dramaturg
Loretta Mesiti

First Round ~ Abitare Futuro

May 2020, as part of “Maggio dei Monumenti”, an event organised by the Department of Culture of the City of Naples.

~ 3 meditations with Isabella Bordoni (poet, artist, and independent curator), Pietro Gaglianò (art critic and independent curator), Dario Gentili (philosopher and Moral Philosophy professor at the University of Rome “Università Roma Tre), Renato Grieco (composer and musician).

The discourse becomes sound-matter, flows from one room to another one, designing the poetic habitat, and welcoming the viewer. The voices that were questioned about the theme of Abitare Futuro (“to inhabit the future”, ndt) are gifted in the form of a soliloquy, opening in front of us, the arising of thought. Today’s state of exception imposes itself as a starting point and marks a breaking point, not only in the dimension of time but in the way of making any possible representation of tomorrow and the visible. The body, the language, the forest are the images that point at the threshold where the query, in its continuous transfiguration, turns into a clearing, a home, an invitation.

To orient yourself, you have to listen, put on the headphones, switch to full-screen mode, look, sink into the colour and trust the “internal artificer that shapes matter, forming it from inside like a seed or root shooting forth and unfolding the trunk, from within the trunk thrusting out the boughs, from inside the boughs the derived branches, and unfurling buds from within these. From therein it forms, fashions and weaves, as with nerves, the leaves, flowers and fruits.” (G.Bruno, De la causa, principio et uno).

Words and voices
Isabella Bordoni
Pietro Gaglianò
Dario Gentili

Sound Dramaturgy
Renato Grieco

*Isabella Bordoni track
Piano
Andrea Laudante / Jacopo D’Amico

Translation from
italian curated by
Giovanna Lo Conte

>>>english voice transcription

On the 3rd of April of this year, a few weeks ago, in the middle of a pandemic, inside a world that we all recognised as infected for the Covid-19: the virus whom we owe – in this tragedy, in truth – the merit of having taken the responsibility of having uncovered a systematic illness of a capitalist society that allows the speculative monopoly of the wealth, that allows the profit of the war industry, that allows the reckless exploitation of the Earth natural resources… here on the 3rd of April, in the middle of the pandemic . . .

– – read more – –

>>>english voice transcription

The first thing I do when I have to deal with a topic that might be familiar, or not, is to engage with its etymology. I have always been convinced that no word is neuter and that inside the depth of words is possible to find their true meaning. There, we can find stories of men and women, whole countries and cultures, layered on top of each other, that enable words to be spongy and porous, capable of holding and spreading meanings that can move away from those that, at first sight, might seem the obvious ones. I remember that . . .

– – read more – –

>>>english voice transcription

The condition that we are experiencing due to the COVID-19 pandemic, whether this is phase 1, phase 2 or which other stages will await us… here, there is no doubt that the conditions of inhabiting are turned upside down. Indeed, we have been forced into inhabiting our house. If by inhabiting we mean living at home, inhabiting our own home, there where we define our individuality, our personality, and represents us, in some ways . . .

– – read more – –

crasi_eng

As part of the activities promoted by the Fondazione Morra within the spaces of Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea, TeatrInGestAzione, Gesualdi | Trono’s theater company, starts the Permanent Interdisciplinary Workshop of Theatre and Performing Arts, in collaboration with Lorenzo Mango, professor of the History of Modern and Contemporary Theater of the University of L’Orientale of Naples. The Permanent Workshop is an education and research project which includes various pedagogical activities during the year; it is part of a larger and more complex project which takes the name of C.R.A.S.I. – Centro Internazionale di Ricerche per le Arti della Scena (International Theatre and Performing Arts Research Center), in synergy with the Fondazione Morra. A place where TeatrInGestAzione experiments and explores the multiple dimensions of its work.

The Workshop includes a preliminary phase and three independent and parallel paths, starting from November 2018 until November 2019, interspersed with openings to the audience.
The primary path is based on standing periods of work, focused on the artistic practice of TeatrInGestAzione, led by Anna Gesualdi and Giovanni Trono, and other members of the Co. The second punctuated by encounters, based on different theories and praxis, with experts of disciplines and studies that we consider complementary to the theatre (History, architecture, philosophy, economy). The third one includes several intensive pedagogic practices, welcoming visions from the contemporary international independent performing arts (directors, choreographers, performers).
C.R.A.S.I. is a place for a hybrid activity of research, training, creation, which can give rise to fruitful dialogue, proposing itself as an alternative of constancy, rigour and discipline, to lead participants to a preparation needed to cultivate artistic autonomy.

“The workshop is for us the time and place of mutual understanding, nourishment; the time of the honesty, of fragility; the place of the care, of training. Through it, we aim to build a kind of presence that is based on the agility of listening, on receive and reaction; an opportunity to acknowledge ourselves and give rise to a project in common, and maybe find that we can share a more extended time in the future.
Here at Casa Morra, TeatrInGestAzione will be a living body exhibited at work”.
(Gesualdi | Trono)

C.R.A.S.I.

Permanent Interdisciplinary Workshop of Theatre and Performing Arts
Education and research project, practice and theory

 

Novembre 2018-19

In collaboration with Lorenzo Mango, professor of the History of Modern and Contemporary Theater of the University of L’Orientale of Naples.
As part of the activities promoted by the Fondazione Morra

 

Applications are open to students, actors, performers, dancers, professionals and non-professionals. Send us an email to express an interest or requests for participation.
You can apply as a practitioner or an auditor. Participation is free. Attendance is mandatory for practitioners.
A partial frequency is allowed for the auditors.

The invitation to visit us always remains open, to anyone who requests it at the following contacts.

 

INFO
info@teatringestazione.com
+39 320 0304861 (whatsapp)
teatringestazione.com

PRELIMINARY PHASE > morphology
Led by Gesualdi / Trono
November 26th-30th, 2018
every day, from 11:00 am to 5:00 am
follows December 2018

The activities begin on 26 November 2018 with an open session lasting 5 days. An opportunity to meet and work together on the presence and the creation; a first approach to the principles underlying the poetics and artistic processes of TeatrInGestAzione. A free workshop led by Anna Gesualdi and Giovanni Trono.

PRIMARY PATH > syntax
Led by Gesualdi / Trono
February 4th-June 2nd
follows July/November 2019
times to be set

Open to those who through previous experiences, feel the need to improve their autonomy as a performer and author. Being careful and rigorous, regularly training the stage presence, deepening the relationship dynamics, the dramaturgy and choral composition.
Each participant will be able to develop his/her own space of research, welcomed in a working context that enhances and encourages the individual path, becoming at the same time interpreter of a shared instance, of a diverse and multidimensional discourse. In our practice, movements, sounds, words, song, dance, speech, gesture, react, evoke and begin again, as in a score in which each voice is called to tune with the others, being simultaneously the bearer of its own melodic line, of its singularity.
We will dive into the depths of our body, to turn it exposed in a poetic deed. We will do everything possible to be alive, to mark our presence, to unearth that desire placed beyond the human way of feeling, in that inexplicable elsewhere where our best flowers grow. In that orchard of chances, potential actions empower the body on stage up to being keen and multi-directional, ready to embodies the vision that is at the base of an act of creation.
The participants will be trained to be able to compose a discourse always new, which does not interpret, does not repeat the obvious, but lives on stage as a source of questions, as a shared experience with the spectators.
A daily study on the extended body of the actor conceived as a place where creation happens. This body will experience the freedoms of the multi-dimensional geometric shape of its presence, everted, sped to the extreme consequences, pushed, extremized, trained to be dismembered to welcome the spectator in its folds, a body that displays itself as a landscape, walkable by the most alert eyes.

PARALLEL SESSIONS > lexicon
led by diverse Experts
December 2018 – November 2019

Starting from December 2018, until the end of November 2019, the primary path will be enriched by parallel sessions of studies. Teachers, researchers and guest artists will meet the participants sharing visions and practices.
We will begin with an architecture session applied to the theatre space, led by the Arch. Daniele Balzano, researcher and adjunct professor at DiARC (Architecture Department of University of Naples). We will continue with a series of sessions led by Salvatore Margiotta and Mimma Valentino, researchers, essayists, editors of Acting Archives Review, both collaborators of prof. Lorenzo Mango, chair of History of Modern and Contemporary Theatre of ‘L’Orientale’ of Naples.

INTENSIVE SESSIONS > discourses

Further sessions and encounters are being defined and will be communicated as soon as confirmed.

Il Corpo Animale

Laboratorio condotto da Anna Gesualdi e Giovanni Trono


Derrida scrive:
«L’uomo è dopo l’animale. Lo segue. Questo “dopo” della sequenza, della conseguenza, o della persecuzione, non è nel tempo, non è temporale: è la genesi stessa del tempo»
«l’animale è lì prima di me, è lì presso di me, lì davanti a me – che lo seguo/sono dopo di lui. E dunque, essendo prima di me, eccolo dietro di me. Mi circonda»

«varcando le frontiere o le fini dell’uomo, giungo all’animale: all’animale in sé, all’animale in me e all’animale che si sente mancante, a quell’uomo di cui Nietzsche diceva pressappoco, non mi ricordo dove, che era un animale ancora
indeterminato, un animale mancante di sé»

Quando un animale compie un movimento, ad esso partecipa il corpo intero nella sua complessità.
Esso si trasfigura già nella proiezione del salto prima ancora di compierlo. Alla stessa interezza deve puntare il corpo in scena. Questo lavoro permette al corpo di esplorare e attraversare delle anatomie che non gli appartengono, che portate in movimento offrono la possibilità di studiare la spinta propulsiva, la resistenza statica, la capacità reattiva, il respiro che si adatta alle condizioni proprie di ogni specie.
Potremo percepire la forza di gravità distribuita orizzontalmente e non verticalmente, per prendere coscienza del reale peso di ogni parte del corpo ed affinare la propriocezione.
L’indagine sugli animali ci permette dunque di maturare una presenza scenica multi-direzionale, dal carattere sferico, capace di una ricezione più acuta, forte nell’affermarsi nello spazio e agile nel disegnare senso.

Ai partecipanti verranno assegnati dei semplici compiti e richiesti a memoria estratti da testi di Čechov e Beckett. Si consiglia la lettura di “L’animale che dunque sono” – J. Derrida


 

Io sono teatro


IO SONO TEATRO
corso base di teatro per principianti e/o eterni appassionati
aperto a tutti, non importano l’esperienza, l’età, la lingua, la provenienza geografica: non esistono limiti al desiderio di partecipazione.

istruzioni per l’uso:
prendi il tuo corpo, dotalo di un pensiero, dagli parola, mettilo in uno spazio definito.
Procurati almeno un paio di occhi esterni che possano testimoniare di averti visto.

Ora respira profondamente e con parole tue, o di poeti, dichiara a quegli occhi fissi su di te:
IO SONO TEATRO.
Io sono il poeta
sono il corpo che traspare
sono l’aratro che dissoda
l’animale pronto al salto
l’indomito vento

Bene. Ora cerca altri corpi e ripeti con loro l’esercizio per almeno una volta a settimana.
il sabato, dalle 18:00 alle 20:00 al DAMM via avellino a tarsia, 15 (Parco Ventaglieri)

Guidiamo i partecipanti ad una graduale scoperta del piacere di stare in scena, delle potenzialità inespresse o sopite del proprio corpo, della bellezza di cui ogni essere umano è portatore, di tutti gli strumenti che possediamo per definire la nostra presenza.

“Il teatro fu la mia scuola e tutto quello che ho imparato è dal teatro che l’ho imparato”
A. P.

Prenderemo come riferimento testuale “il codice di Perelà” di Aldo Palazzeschi. La sua struttura presenta vari tipi di scrittura: l’uso continuo del dialogo, l’uso del monologo, l’uso dei parlati teatrali, i racconti all’interno del racconto, lo stile che anticipa soluzioni surrealistiche, il gusto particolare del fantastico e un forte realismo magico.
Perelà è qualcosa di diverso: un non-uomo confuso per un super-uomo, un eroe senza guerre, filosofo senza intelletto e soprattutto un protagonista al quale manca totalmente il desiderio di primeggiare, è l’essere senza pensiero inteso come pensiero del sé individualistico.

La cura del lavoro è affidata a Gesualdi / Trono di TEATRINGESTAZIONE

 

 

 

INFO + ISCRIZIONI

inviare una richiesta via mail o sms (specificando in oggetto: LABASE)
su info@teatringestazione.com
tel. 320 0304861
indicando nome, età, recapito telefonico, email

 

 

Anna Gesualdi, regista e pedagoga / Giovanni Trono, performer e pedagogo
Dopo diverse esperienze formative vincono la borsa di studio europea “dannati maestri”, dedicato alla memoria di Carmelo Bene, promossa da PROTEI (ora ITACA) – Progetti Teatrali Internazionali, Direzione artistica J. Alschitz, grazie alla quale conseguono il perfezionamento post accademico in TECNICHE E METODOLOGIE DELLE ARTI DRAMMATICHE, studiando con docenti provenienti dal Gitis (Mosca), Akt-Zent (Berlino), Scut (Oslo).
Subito dopo il diploma, per tre anni lavorano al fianco di Barbara Bonriposi e Riccardo Tordoni, fondatori di Laboratorio365 (già assistenti di Gabriele Vacis).
Nel 2006 si stabiliscono a Napoli dove fondano insieme TeatrInGestAzione, a cui si dedicano totalmente, rinunciando ad una strada individuale a favore di una ricerca collettiva, che li porta ad elaborare una metodologia di lavoro originale, oggi riconosciuta nelle diverse tesi scritte sul loro lavoro e nelle pubblicazioni che ne raccontano l’esperienza: Il tempo a Napoli di Piermario Vescovo, Ed. Marsilio; Recito, dunque so(g)no Ed. Nuove Catarsi, dedicato al Teatro e Carcere, redatto per il Corso di Teatro e Spettacolo 2009‐2010 alla Facoltà di sociologia dell’Università di Urbino, a cura di Emilio Pozzi e Vito Minoia (con prefazione di Meldolesi, allo stesso dedicato); Incontri notevoli di un libraio militante, a cura di Davide D’Urso, Ed. Valtrend; Annual Young Blood 2011, ed. FM con il sostegno del Ministero della Gioventù, annuario dei talenti italiani che hanno ottenuto riconoscimenti nel campo della creatività e della ricerca.

Sviluppano un’originale pedagogia teatrale nel loro Laboratorio Permanente Arti Sceniche a Napoli, e nei workshop intensivi e itineranti ospitati in teatri ed eventi nazionali e internazionali, e in diversi istituti d’istruzione secondaria; sono chiamati alla docenza nel corso d’Alta Formazione Operatori teatrali in aree disagiate e strutture carcerarie – progetto FormArt Lavoro (già progetto Technè) Scuola per i Mestieri dello Spettacolo diretta da Ruggero Cappuccio.
Il loro lavoro è stato ospitato e sostenuto all’estero da Ella Fiskum Danz con la residenza R.E.D. (Norvegia); dall’INSTITUT FUR THEATER FILM UND MEDIENWISSENS CHAFT – GOETHE UNIVERSITAT di Francoforte (Germania), in collaborazione con il Frankfurt LAB, Hessische Theaterakademie (Accademia teatrale dell’Assia) e Tanz der Künste.
Sono vincitori del premio DE.MO./ Movin’UP a supporto della circuitazione dei talenti italiani emergenti nel mondo (GAI e MiBAC).
Nel 2012 gli affidano la talk di apertura del TEDx Napoli (sul tema “crisi e creatività”).

Nel 2010 sono tra le compagnie del Progetto L’Attesa, per cui creano 3 diversi interventi performativi e due trasposizioni radiofoniche per Radio 3 RAI, commissionato e prodotto dal Napoli Teatro Festival Italia 2010 (Dir. Art. Renato Quaglia) – Napoli.
Tra gli ultimi lavori prodotti: Morse, installazione performativa presso il PAN Palazzo delle Arti di Napoli; avVento # 1. Absolute Beginners; avVento # 2. Alle pendici della gola; Canto Trasfigurato di Moby Dick e d’altri mostri che ho amato; 3 TO 1; Mamma!Sontanto Felice; Alfredo #On Air; hAPPY bIRTHDAY, Alfredo!; Not Am Let; I Soccombenti; progetti radiofonici in onda su RADIO 3 RAI; Radiolina Officina99; Radio Onda Rossa Roma.
Il loro lavoro è presente in molti festival e rassegne nazionali tra cui Trasparenze2013 – Modena; Finestre sul Giovane Teatro – Bologna; E'(C)CENTRICO – Torino; LuminAZIONE
anteprima di Luminaria – Napoli; Sound
Makers Festival – Lecce; Presente/Futuro 2011 – Palermo; ExPolis 2011
– Milano; Rossobastardo Live 2010 fringe Festival dei Due Mondi – Spoleto; TEATRIaperti 09 – Firenze; Ravello Festival 09 – Ravello; XXIX Benevento Città Spettacolo
(Dir. Art. Enzo Moscato) – Benevento;
K-now/il
Centro
del
Discorso
–
Lecce.

Nel 2010 sono tra i soci fondatori del Coordinamento Nazionale Teatro in Carcere. Dal 2006 conducono stabilmente il Laboratorio Permanente di Espressione Teatrale presso il Manicomio Criminale di Aversa, fondando una compagnia parallela con gli internati detenuti, portata al debutto con gli spettacoli: Che ne sarà dei Fiori; Fratello Mio, Caino; La Giostra, ovvero l’eccezione E’ la regola; Noi Aspettiamo (Godot?).
Nel 2011 debutta Caini d’Aversa film documentario (di Nicois e Palamara, produzione Prima Pagina), sul laboratorio teatrale all’interno del Manicomio Criminale di Aversa.

Ideano e curano la direzione artistica di tre eventi sotto la guida dell’etica del DARE LUOGO:
‐ ALTO FRAGILE (altofragile.eu), nuova pratica di condivisione dell’atto creativo tra Pubblico e Scena, che alla sua III edizione viene ospitata in residenza al PAN Palazzo delle Arti di Napoli;
‐ ALTOFEST (altofest.net) occasione di incontro tra realtà indipendenti della ricerca italiana e internazionale. Giunto alla sua III edizione;
‐ ALTA STAGIONE, stagione d’arti performative, I ed. 2012
Curano inoltre presso il complesso Ex Asilo Filangeri la I ed. di QUEST¿ON, libera giornata di studi teatrali aperti al pubblico.

Experience

Aperto a chi (attraverso precedenti esperienze laboratoriali, e/o artistico/performative) abbia maturato il bisogno di prendersi cura in modo meticoloso ed esigente della propria presenza scenica, approfondendo le dinamiche di relazione, di scrittura di scena, di composizione corale in modo da coltivare la propria autonomia creativa e sviluppare la propria autorialità. I partecipanti potranno sviluppare il proprio spazio d’indagine in una struttura di lavoro che valorizza e sostiene il cammino individuale, che allo stesso tempo si fa traduttore di un’istanza condivisa, di un discorso molteplice e pluridimensionale. Nella nostra prassi movimento, canto, danza, parola, gesto, suono, si rispondono, si richiamano e si continuano, come in una partitura corale, in cui ogni voce è chiamata ad accordarsi con tutte le altre e, contemporaneamente, è portatrice della propria linea melodica, della propria singolarità.

Scenderemo nelle profondità del nostro corpo, per rivoltarlo esposto in atto poetico.

Faremo tutto il possibile per essere vivi. Definire la nostra presenza. Portare alla luce quel desiderio riposto oltre l’umano sentire in quell’altrove inspiegabile ove risiedono i nostri fiori migliori, quell’orto delle possibilità, quelle azioni in potenza che rendono il corpo in scena molteplice e multi direzionale. Capace di comporre un discorso sempre nuovo, che non recita non ripete l’evidente, ma vive la scena, ne fa esperienza condivisa con lo spettatore.

Il laboratorio è per noi il tempo della conoscenza reciproca, del nutrimento, il tempo dell’onestà, della fragilità; il luogo della cura, dell’allenamento che mira a costruire una presenza che si fonda su una forma di agilità dell’ascolto, sulla ricezione e sulla reazione; un’occasione per riconoscerci e dare luogo a un progetto comune, e magari scoprire di poter condividere nel futuro un tempo più lungo.


Gli autori di riferimento:
SAMUEL BECKETT e ANTON ČECHOV

L’osservatore contagia l’osservato con la propria mutevolezza.
S. B.

Sono necessarie nuove forme. Nuove forme sono necessarie e, se non ce ne sono, è meglio che nulla sia necessario.
A. P. C.

Le strutture drammaturgiche di Beckett e Čechov introducono l’attore a un lavoro complesso di costruzione della propria presenza, e nello stesso tempo richiedono quella trasparenza necessaria per farsi assorbire dalla geometria della scena, fino a farsi paesaggio. Il corpo, la voce, il silenzio, la parola-immagine, che si fa visione, compongono l’architettura dell’altrove verso cui è sempre teso l’apparente immobile infinito spazio scenico, in stato di permanenza. In questi luoghi, l’incontro tra spettatore e attore, si fa testimonianza, segno indelebile, sensibile memoria.

La cura del lavoro è affidata a Gesualdi / Trono di TEATRINGESTAZIONE


INFO + ISCRIZIONI

inviare una richiesta via mail o sms (specificando in oggetto: LABAVANZATO)
su info@teatringestazione.com
tel. 320 0304861
indicando nome, età, recapito telefonico, email

DOVE: Napoli Centro Storico
presso DAMM via avellino a tarsia, 15 (Parco Ventaglieri)

QUANDO: nov 2013 / maggio 2014
giovedì, dalle 18:00 alle 21:00 / sabato dalle 15:00 alle 18:00
(i giorni e gli orari potrebbero subire dei cambiamenti, secondo le disponibilità dei partecipanti)

costo 70 €/mese
il corso sarà attivato con un minimo di 6 partecipanti

 

TEATRINGESTAZIONE
Organismo creativo intersoggettivo in costante rivoluzione poetica.

Il lavoro del collettivo muove dall‘esigenza di ridefinire il concetto di arte scenica, svincolando l‘atto performativo dal contesto spettacolare, e qualificando la “scena“ come sede di una “socialità sperimentale“.
Affinché ciascun attore sia in grado di sostenere la propria presenza autoriale, TeatrInGestAzione dedica parte determinante del proprio lavoro allo studio del corpo in scena, considerato come una macchina di scoperta infinita (meccanicAEmozionale). Il lavoro attoriale tende quindi a sublimare la presenza quotidiana, facendosi elemento oggettivo fra gli altri elementi (spazio, testo, suono, luce), per conquistare la verticalità della poesia. I corpi in scena compongono dal vivo l‘architettura della creazione, reagendo all‘evolvere del discorso corale ed interrogando di volta in volta, in maniera singolare, la relazione che l‘evento scenico dischiude fra un tessuto di domande portanti. Si apre così uno spazio di ricerca condiviso.

Con i progetti giunti nel 2013 alla loro terza edizione Alto Fragile (rassegna di processi creativi per spettatori attivi) e Alto Fest (festival di arti performative e interventi trasversali, negli spazi privati donati dai cittadini. Per una riqualificazione UMANA/URBANA), di cui cura la direzione artistica, TIGA intende dare luogo ad innesti dell‘azione artistica nell‘architettura sociourbana ed umana in cui il collettivo agisce, disegnando spazi di condivisione in cui artisti ed intellettuali di diverse discipline possano entrare in dialogo e mettere in discussione, in maniera pubblica e collettiva, le proprie pratiche.

Anna Gesualdi, regista e pedagoga / Giovanni Trono, performer e pedagogo
Dopo diverse esperienze formative vincono la borsa di studio europea “dannati maestri”, dedicato alla memoria di Carmelo Bene, promossa da PROTEI (ora ITACA) – Progetti Teatrali Internazionali, Direzione artistica J. Alschitz, grazie alla quale conseguono il perfezionamento post accademico in TECNICHE E METODOLOGIE DELLE ARTI DRAMMATICHE, studiando con docenti provenienti dal Gitis (Mosca), Akt-Zent (Berlino), Scut (Oslo).
Subito dopo il diploma, per tre anni lavorano al fianco di Barbara Bonriposi e Riccardo Tordoni, fondatori di Laboratorio365 (già assistenti di Gabriele Vacis).
Nel 2006 si stabiliscono a Napoli dove fondano insieme TeatrInGestAzione, a cui si dedicano totalmente, rinunciando ad una strada individuale a favore di una ricerca collettiva, che li porta ad elaborare una metodologia di lavoro originale, oggi riconosciuta nelle diverse tesi scritte sul loro lavoro e nelle pubblicazioni che ne raccontano l’esperienza: Il tempo a Napoli di Piermario Vescovo, Ed. Marsilio; Recito, dunque so(g)no Ed. Nuove Catarsi, dedicato al Teatro e Carcere, redatto per il Corso di Teatro e Spettacolo 2009‐2010 alla Facoltà di sociologia dell’Università di Urbino, a cura di Emilio Pozzi e Vito Minoia (con prefazione di Meldolesi, allo stesso dedicato); Incontri notevoli di un libraio militante, a cura di Davide D’Urso, Ed. Valtrend; Annual Young Blood 2011, ed. FM con il sostegno del Ministero della Gioventù, annuario dei talenti italiani che hanno ottenuto riconoscimenti nel campo della creatività e della ricerca.

Sviluppano un’originale pedagogia teatrale nel loro Laboratorio Permanente Arti Sceniche a Napoli, e nei workshop intensivi e itineranti ospitati in teatri ed eventi nazionali e internazionali, e in diversi istituti d’istruzione secondaria; sono chiamati alla docenza nel corso d’Alta Formazione Operatori teatrali in aree disagiate e strutture carcerarie – progetto FormArt Lavoro (già progetto Technè) Scuola per i Mestieri dello Spettacolo diretta da Ruggero Cappuccio.
Il loro lavoro è stato ospitato e sostenuto all’estero da Ella Fiskum Danz con la residenza R.E.D. (Norvegia); dall’INSTITUT FUR THEATER FILM UND MEDIENWISSENS CHAFT – GOETHE UNIVERSITAT di Francoforte (Germania), in collaborazione con il Frankfurt LAB, Hessische Theaterakademie (Accademia teatrale dell’Assia) e Tanz der Künste.
Sono vincitori del premio DE.MO./ Movin’UP a supporto della circuitazione dei talenti italiani emergenti nel mondo (GAI e MiBAC).
Nel 2012 gli affidano la talk di apertura del TEDx Napoli (sul tema “crisi e creatività”).

Nel 2010 sono tra le compagnie del Progetto L’Attesa, per cui creano 3 diversi interventi performativi e due trasposizioni radiofoniche per Radio 3 RAI, commissionato e prodotto dal Napoli Teatro Festival Italia 2010 (Dir. Art. Renato Quaglia) – Napoli.
Tra gli ultimi lavori prodotti: Morse, installazione performativa presso il PAN Palazzo delle Arti di Napoli; avVento # 1. Absolute Beginners; avVento # 2. Alle pendici della gola; Canto Trasfigurato di Moby Dick e d’altri mostri che ho amato; 3 TO 1; Mamma!Sontanto Felice; Alfredo #On Air; hAPPY bIRTHDAY, Alfredo!; Not Am Let; I Soccombenti; progetti radiofonici in onda su RADIO 3 RAI; Radiolina Officina99; Radio Onda Rossa Roma.
Il loro lavoro è presente in molti festival e rassegne nazionali tra cui Trasparenze2013 – Modena; Finestre sul Giovane Teatro – Bologna; E’(C)CENTRICO – Torino; LuminAZIONE anteprima di Luminaria – Napoli; Sound Makers Festival – Lecce; Presente/Futuro 2011 – Palermo; ExPolis 2011 – Milano; Rossobastardo Live 2010 fringe Festival dei Due Mondi – Spoleto; TEATRIaperti 09 – Firenze; Ravello Festival 09 – Ravello; XXIX Benevento Città Spettacolo (Dir. Art. Enzo Moscato) – Benevento; K-now/il Centro del Discorso – Lecce.

Nel 2010 sono tra i soci fondatori del Coordinamento Nazionale Teatro in Carcere. Dal 2006 conducono stabilmente il Laboratorio Permanente di Espressione Teatrale presso il Manicomio Criminale di Aversa, fondando una compagnia parallela con gli internati detenuti, portata al debutto con gli spettacoli: Che ne sarà dei Fiori; Fratello Mio, Caino; La Giostra, ovvero l’eccezione E’ la regola; Noi Aspettiamo (Godot?).
Nel 2011 debutta Caini d’Aversa film documentario (di Nicois e Palamara, produzione Prima Pagina), sul laboratorio teatrale all’interno del Manicomio Criminale di Aversa.

Ideano e curano la direzione artistica di tre eventi sotto la guida dell’etica del DARE LUOGO:
‐ ALTO FRAGILE (altofragile.eu), nuova pratica di condivisione dell’atto creativo tra Pubblico e Scena, che alla sua III edizione viene ospitata in residenza al PAN Palazzo delle Arti di Napoli;
‐ ALTOFEST (altofest.net) occasione di incontro tra realtà indipendenti della ricerca italiana e internazionale. Giunto alla sua III edizione;
‐ ALTA STAGIONE, stagione d’arti performative, I ed. 2012
Curano inoltre presso il complesso Ex Asilo Filangeri la I ed. di QUEST¿ON, libera giornata di studi teatrali aperti al pubblico.

Il corpo esteso


programma di indagine e formazione teatrale sulla presenza scenica, a partecipazione giornaliera,
per attori, performers, studiosi del corpo scenico

Un invito a condividere il tempo e lo spazio del nostro allenamento quotidiano, lasciando a voi la libera scelta sulla frequentazione, esercitando così la responsabilità personale verso la cura del proprio lavoro. Aperto a chi (attraverso precedenti esperienze laboratoriali, e/o artistico/performative) abbia maturato il bisogno di prendersi cura in modo meticoloso ed esigente della propria presenza scenica, approfondendo le dinamiche del movimento, la struttura e il funzionamento del proprio corpo inteso come macchina emozionale.

www.teatringestazione.com


Il corpo è l’unità di un essere fuori di sè. (…)
(…) L`anima è l`estensione o la distesa del corpo. Cos`è che fa un´estensione? È una tensione, é anche un`in-tensione, nel senso di un´intensità . (…) A tale intenzionalità bisogna sostituire l´intensività , l`estensione del senso della tensione del fuori come tale.

Un corpo è dunque una tensione. E l´origine greca del termine è “tonos”, il tono. Un corpo è un tono. E con ciò non dico nulla che un anatomista non approverebbe: un corpo è un tonus. Quando il corpo non è più in vita, non ha più tonus, si trasforma o nel rigor mortis (la rigidità cadaverica) oppure nell´inconsistenza del marciume. Essere un corpo significa essere un certo tono, una certa tensione. Dirò inoltre che una tensione è anche una tenuta. Conseguentemente vi sono delle possibilità di sviluppo in senso etico che non si sospetterebbero a prima vista.

J.-L. Nancy, De Anima

Da anni conduciamo uno studio quotidiano sul corpo esteso dell’attore, concepito come luogo della creazione; corpo che si abbandona alla forma geometrica multidimensionale della propria presenza, estroflesso, precipitato alle estreme conseguenze, spinto, estremizzato, allenato ad essere smembrato per accogliere lo spettatore nelle sue pieghe, corpo che si dispiega in paesaggio, percorribile dallo sguardo più attento.
Ogni giorno con la nostra pratica quotidiana, scendiamo nelle profondità del nostro corpo, per rivoltarlo esposto in atto poetico.
Facciamo tutto il possibile per essere vivi. Definire la nostra presenza. Portare alla luce quel desiderio riposto oltre l’umano sentire in quell’altrove inspiegabile ove risiedono i nostri fiori migliori, quell’orto delle possibilità, quelle azioni in potenza che rendono il corpo in scena molteplice e multi direzionale. Capace di comporre un discorso sempre nuovo, che non recita non ripete l’evidente, ma vive la scena, ne fa esperienza condivisa con lo spettatore.

Intendiamo la pedagogia come accompagnamento di un autonomo percorso di scoperta delle proprie possibilità espressive. Chi prende parte al processo pedagogico si trova nella condizione di osservare se stesso, in scoperta.
Il laboratorio è per noi il tempo della conoscenza reciproca, del nutrimento, il tempo dell’onestà, della fragilità; il luogo della cura, dell’allenamento che mira a costruire una presenza che si fonda su una forma di agilità dell’ascolto, sulla ricezione e sulla reazione; un’occasione per riconoscerci e dare luogo a un progetto comune, e magari scoprire di poter condividere nel futuro un tempo più lungo.

La cura del lavoro è affidata a Gesualdi / Trono di TEATRINGESTAZIONE

come partecipare

1. la partecipazione è giornaliera, ovvero decidete giorno per giorno la vostra frequenza
2. visitate la pagina degli appuntamenti sul sito www.teatringestazione.com
3. controllate che in corrispondenza del giorno successivo compaia scritto CORPO ESTESO, con l’indicazione della durata dell’incontro e l’orario d’inizio
4. presentatevi nel giorno indicato direttamente in sala, entro un quarto d’ora prima dell’orario d’inizio
5. lasciate il contributo economico richiesto per la singola giornata
6. iniziate il lavoro (indispensabile conoscere perfettamente a memoria un testo di almeno 1000 battute spazi compresi + una canzone o un canto; indossare un abbigliamento comodo e stratificato, compreso di calzini e maglia a maniche lunghe, preferibilmente di colore chiaro)

E’ richiesta la massima puntualità, a lavoro iniziato non sarà più possibile entrare.

QUANDO

dal 3 marzo 2014 fino alla fine dell’anno, per tutti i giorni indicati di volta in volta sul calendario on line
ogni incontro avrà una durata minima di 3 ore e massima di 6 ore
i giorni e gli orari sono suscettibili di cambiamento giorno per giorno

DOVE

Napoli, Centro Storico, quartiere Montesanto
Centro DAMM, via Avellino a Tarsia 15 (Parco Ventaglieri)

QUANTO COSTA

10 euro a giornata. Ogni 5 giornate di lavoro accumulate, la sesta è a costo zero

INFO

Potete richiedere informazioni (specificando in oggetto: CORPO ESTESO)
chiamando o scrivendo ai seguenti contatti:
info@teatringestazione.com
tel. 320 0304861

www.teatringestazione.com

fb teatringestazione
tw @ingestazione

 

TEATRINGESTAZIONE
Organismo creativo inter-soggettivo in costante rivoluzione poetica.

Il lavoro del collettivo muove dall‘esigenza di ridefinire il concetto di arte scenica, svincolando l‘atto performativo dal contesto spettacolare, e qualificando la “scena“ come sede di una “socialità sperimentale“.
Affinché ciascun attore sia in grado di sostenere la propria presenza autoriale, TeatrInGestAzione dedica parte determinante del proprio lavoro allo studio del corpo in scena, considerato come una macchina di scoperta infinita (meccanicAEmozionale). Il lavoro attoriale tende quindi a sublimare la presenza quotidiana, facendosi elemento oggettivo fra gli altri elementi (spazio, testo, suono, luce), per conquistare la verticalità della poesia. I corpi in scena compongono dal vivo l‘architettura della creazione, reagendo all‘evolvere del discorso corale ed interrogando di volta in volta, in maniera singolare, la relazione che l‘evento scenico dischiude fra un tessuto di domande portanti. Si apre così uno spazio di ricerca condiviso.

Anna Gesualdi, regista e pedagoga / Giovanni Trono, performer e pedagogo
Dopo diverse esperienze formative vincono la borsa di studio europea “dannati maestri”, dedicata alla memoria di Carmelo Bene, promossa da PROTEI (ora ITACA) – Progetti Teatrali Internazionali, Direzione artistica J. Alschitz, grazie alla quale conseguono il perfezionamento post accademico in TECNICHE E METODOLOGIE DELLE ARTI DRAMMATICHE, studiando con docenti provenienti dal Gitis (Mosca), Akt-Zent (Berlino), Scut (Oslo). Subito dopo il diploma, per tre anni lavorano al fianco di Barbara Bonriposi e Riccardo Tordoni, fondatori di Laboratorio365 (già assistenti di Gabriele Vacis).
Nel 2006 si stabiliscono a Napoli dove fondano insieme TeatrInGestAzione, a cui si dedicano totalmente, rinunciando ad una strada individuale a favore di una ricerca collettiva, che li porta ad elaborare una metodologia di lavoro originale, oggi riconosciuta nelle diverse tesi scritte sul loro lavoro e nelle pubblicazioni che ne raccontano l’esperienza: Testimonianze ricerca azioni Ed. AkropolisLibri 2014; Il tempo a Napoli di Piermario Vescovo, Ed. Marsilio; Recito, dunque so(g)no Ed. Nuove Catarsi, dedicato al Teatro e Carcere, redatto per il Corso di Teatro e Spettacolo 2009‐2010 alla Facoltà di sociologia dell’Università di Urbino, a cura di Emilio Pozzi e Vito Minoia (con prefazione di Meldolesi, allo stesso dedicato); Incontri notevoli di un libraio militante, a cura di Davide D’Urso, Ed. Valtrend; Annual Young Blood 2011, ed. FM con il sostegno del Ministero della Gioventù, annuario dei talenti italiani che hanno ottenuto riconoscimenti nel campo della creatività e della ricerca.

Il loro lavoro è stato ospitato e sostenuto all’estero da Ella Fiskum Danz con la residenza R.E.D. (Norvegia); dall’INSTITUT FUR THEATER FILM UND MEDIENWISSENS CHAFT – GOETHE UNIVERSITAT di Francoforte (Germania), in collaborazione con il Frankfurt LAB, Hessische Theaterakademie (Accademia teatrale dell’Assia) e Tanz der Künste.
Sono vincitori del premio DE.MO./ Movin’UP a supporto della circuitazione dei talenti italiani emergenti nel mondo (GAI e MiBAC).
Nel 2012 gli affidano la talk di apertura del TEDx Napoli (sul tema “crisi e creatività”).

Nel 2010 sono tra le compagnie del Progetto L’Attesa, per cui creano 3 diversi interventi performativi e due trasposizioni radiofoniche per Radio 3 RAI, commissionato e prodotto dal Napoli Teatro Festival Italia 2010 (Dir. Art. Renato Quaglia) – Napoli.
Tra gli ultimi lavori prodotti: Morse …—…; avVento #1. Absolute Beginners; Canto Trasfigurato di Moby Dick e d’altri mostri che ho amato; 3_to_1; Mamma!Sontanto Felice; Alfredo #On Air; progetti radiofonici in onda su RADIO 3 RAI; Radiolina Officina99; Radio Onda Rossa Roma.
Il loro lavoro è presente in diversi festival e rassegne nazionali tra cui Trasparenze 2013/14 Atelier della Scena Contemporanea – Modena; Testimonianze Ricerca Azioni, Teatro Akropolis – Genova; Finestre sul Giovane Teatro – Bologna; NTFI – Napoli; E’(C)CENTRICO – Torino; LuminAZIONE anteprima di Luminaria – Napoli; Sound Makers Festival – Lecce; Presente/Futuro 2011 – Palermo; ExPolis 2011 – Milano; Rossobastardo Live 2010 fringe Festival dei Due Mondi – Spoleto; TEATRIaperti 09 – Firenze; Ravello Festival 09 – Ravello; XXIX Benevento Città Spettacolo (Dir. Art. Enzo Moscato) – Benevento; K-now/il Centro del Discorso – Lecce.

Nel 2010 sono tra i soci fondatori del Coordinamento Nazionale Teatro in Carcere. Dal 2006 ad oggi conducono stabilmente il Laboratorio Permanente di Espressione Teatrale presso il Manicomio Criminale di Aversa, fondando una compagnia parallela con gli internati detenuti, portata al debutto con gli spettacoli: Che ne sarà dei Fiori; Fratello Mio, Caino; La Giostra, ovvero l’eccezione E’ la regola; Noi Aspettiamo (Godot?).
Nel 2011 debutta Caini d’Aversa film documentario (di Nicois e Palamara, produzione Prima Pagina), sul laboratorio teatrale all’interno del Manicomio Criminale di Aversa.

Sviluppano un’originale pedagogia teatrale nel loro Laboratorio Permanente Arti Sceniche a Napoli, e nei workshop intensivi e itineranti ospitati in teatri ed eventi nazionali e internazionali, e in diversi istituti d’istruzione secondaria; sono chiamati alla docenza nel corso d’Alta Formazione Operatori teatrali in aree disagiate e strutture carcerarie – progetto FormArt Lavoro (già progetto Technè) Scuola per i Mestieri dello Spettacolo diretta da Ruggero Cappuccio.

Ideano e curano la direzione artistica di tre eventi sotto la guida dell’etica del DARE LUOGO:
‐ ALTO FRAGILE (altofragile.eu), nuova pratica di condivisione dell’atto creativo tra Pubblico e Scena, che alla sua III edizione viene ospitata in residenza al PAN Palazzo delle Arti di Napoli;
‐ ALTOFEST (altofest.net) occasione di incontro tra realtà indipendenti della ricerca italiana e internazionale. Giunto alla sua III edizione;
‐ ALTA STAGIONE, stagione d’arti performative, I ed. 2012
Curano inoltre presso il complesso Ex Asilo Filangeri la I ed. di QUEST¿ON, libera giornata di studi teatrali aperti al pubblico.

DE_RI_VA

 

deriva

“DE RI VA_gruppo di studio a partire dalla Società dello spettacolo di Guy Debord” è un progetto a cura di TeatrInGestAzione in collaborazione con il DiARCH – Dipartimento di Architettura dell’Università Federico II di Napoli.

Un percorso che inauguriamo a febbraio 2016.

Un “gruppo di studio” che si riunisce periodicamente sotto la guida di TeatrInGestAzione.
L’indagine non vuole necessariamente preventivare un esito scenico, ma dare corpo ad una domanda, generando incontri e interventi di varia natura, con gli spettatori in spazi formali e non (performance, installazioni, letture, scritti, interventi singoli e collettivi in formati non precostituiti che il nostro incontrarsi genererà), e produrre una documentazione dettagliata del processo, che accompagnerà poi gli incontri pubblici.

“DE RI VA_gruppo di studio a partire dalla Società dello spettacolo di Guy Debord” è un progetto a cura di TeatrInGestAzione in collaborazione con il DiARCH – Dipartimento di Architettura dell’Università Federico II di Napoli.

Un percorso che inauguriamo a febbraio 2016.

Un “gruppo di studio” che si riunisce periodicamente sotto la guida di TeatrInGestAzione.
L’indagine non vuole necessariamente preventivare un esito scenico, ma dare corpo ad una domanda, generando incontri e interventi di varia natura, con gli spettatori in spazi formali e non (performance, installazioni, letture, scritti, interventi singoli e collettivi in formati non precostituiti che il nostro incontrarsi genererà), e produrre una documentazione dettagliata del processo, che accompagnerà poi gli incontri pubblici.

Semmai dovesse accadere, lo spettacolo sarà una celebrazione, da perpetrare.

Partiamo dalla condivisione di uno spazio neutrale, non teatrale, di un tempo fuori tempo, irregolare. Predisponiamo il luogo dell’osservazione del paesaggio in cui siamo immersi. Un presente fisico, spaziale, percepito, possibile. 
La ricerca di questa domanda che costituirà poi il nodo drammaturgico da cui scaturirà la forma come evento, che poi nella sua possibilità di ripetizione si farà atto celebrativo (peculiarità di un teatro che si rivolge all’origine delle cose), parte da alcune riflessioni sui linguaggi dell’arte che da troppo tempo sono parlati più che parlare.
Ci affidiamo, solo come spunto iniziale, all’analisi del filosofo francese Guy Debord e della sua “La Società dello Spettacolo”.
Come siamo soliti fare, apriamo il lavoro da subito a personalità complesse, che si occupano di teatro, ma che altresì fondano i propri studi e specializzazioni in altre discipline, con differenti competenze. Dunque per questo primo gruppo di lavoro abbiamo selezionato persone provenienti da diverse regioni italiane, che hanno competenze in architettura, filosofia, ingegneria, storia, lettere antiche, musica, danza. La cosa che li accomuna in ogni caso resta, soprattutto il teatro. Precisamente un certo modo di concepire il teatro. Linguaggio che si fa luogo, che accoglie e genera.

Il lavoro si apre anche alla partecipazione degli studenti del DiARCH (Dipartimento di Architettura dell’Università di Napoli Federico II) invitandoli a dare corpo ad una domanda sullo spazio teatrale contemporaneo. Ciascuno secondo le proprie competenze e specificità e interessi.

Dare vita ad un dialogo quotidiano interdisciplinare, e ristabilire la complessità necessaria per abitare il presente nel suo divenire costante, per questo inviteremo gli studenti ad abitare il processo creativo che metteremo in atto e a frequentare la nostra prassi teatrale, nel luogo della produzione del pensiero per eccellenza che crediamo ancora debba essere l’università
, dove si svolgeranno le prime fasi del progetto. E dunque ci sembra necessario innanzitutto sostare/osservare per fertilizzare la visione di coloro che forse saranno i costruttori degli spazi teatrali a venire. Per poter immaginare di nuovo uno spazio del teatro (visione) e non più dello spettacolo (consumo).

Si tratterà di “disfare lo spazio, non meno che la storia, l’intreccio, l’azione”
                                                                                                                              G. Deleuze

Con gli studenti approfondiremo una riflessione sullo spazio teatrale, che parte da uno dei maggiori architetti contemporanei:

“Bisogna creare visioni per sopravvivere”
D. Libeskind

In un’intervista dal titolo “La fine dello spazio” l’Architetto Daniel Libeskind, rispondendo alla domanda del suo intervistatore che gli chiedeva quale fosse la sua idea sulla posizione del teatro contemporaneo rispetto all’architettura, risponde così:

“E’ un argomento ampio e complesso, perché la sua domanda riguarda il concetto di spazio del teatro. Ritengo che molte persone che lavorano in teatro sia come attori che come registi si siano messi alla ricerca di uno spazio da trovare, non uno spazio teatrale, ma uno spazio da trovare […] credo che il teatro come ogni altra cosa, abbia perso l’illusione di quel “l’unico” spazio, “lo” spazio, lo spazio della lingua bella, lo spazio della memoria. Questo ha a che fare con una relazione totalmente nuova con il concetto di pluralità, e quindi certamente con quel fantasma dello spazio che aleggia sempre sul teatro, come la gravità sull’architettura. […] Come può esistere un’architettura del teatro? La nozione di scena intesa in maniera classica non è certamente calzante rispetto alla realtà contemporanea che viene ingoiata dallo spazio. […] È ciò che a lungo termine potrebbe rivelarsi una salvezza. Quando teatro ed architettura non sono dove ci si aspetta di trovarli. Quando all’improvviso si dislocano; quando sono in grado di spiazzare e ricollocare le istituzioni. Non è una trasformazione storica, è uno slittamento improvviso ed imprevedibile nel comportamento; uno slittamento nel modo di comprendere e di auto comprendersi, e al contempo un’improvvisa perdita di ciò che riteniamo di sapere, di aver compreso attraverso i concetti: una rimozione improvvisa di tutto ciò. Sono interessato allo spazio silenzioso che non esiste più in teatro.”

Questo spazio silenzioso per noi è il corpo dell’attore, un’architettura in movimento. Da questo corpo, crediamo si possa partire per pensare al futuro dello spazio teatrale. Tra il teatro e l’architettura c’è da sempre una reciprocità. In nome della forma come evento, accadimento sociale. Il teatro è prima di tutto lo spazio deputato all’incontro tra attore e spettatore convenuti alla meraviglia.


Ancora sul rapporto tra architettura e teatro, lo storico e critico del teatro Fabrizio Cruciani, in un intervento dal titolo “Il teatro che abbiamo in mente” scrive:

“… Oggi il teatro dell’immanenza possibile si fonda sulle esperienze forti del Novecento, il secolo ormai passato: produttivamente è il luogo in cui si realizza il lavoro degli attori, un lavoro che non è più la breve durata dello spettacolo e delle prove ma la lunga durata dell’esperienza, luogo che ha quindi una dimensione del quotidiano e la sua sacralità; culturalmente è il luogo in cui si realizzano le relazioni e le visioni di uomini concreti. Come insegna la ripetuta fuga dei teatri dal teatro e il rifugiarsi nei luoghi del vissuto, la diversità di cui consiste il teatro ha bisogno di uno spazio che esibisca la sua normalità non rispetto all’idea di teatro ma rispetto al sociale quotidiano. […] Ma ogni progetto di teatro resterà solo “monumento” o diventerà come quelle case disabitate di cui resta solo la facciata se non lo si darà come abitazione agli uomini di teatro.

Quindi il nostro è un invito alla produzione di un nuovo pensiero nel rispetto della maturazione organica dell’opera, partendo dall’innesto della prassi teatrale nelle stanze dell’università, luogo simbolo della conoscenza che appartiene alla città.

Il gruppo, dopo una prima fase pluri-residenziale e periodica, a Napoli, aprirà la propria indagine ad altre persone attraverso dei laboratori intensivi e itineranti, che saranno fonte di confronto e approfondimento.

In questa prima fase ci preme cercare di riconoscere la capacità di stare più che di fare. E’ questo infatti il principio alla base della nostra prassi creativa, tesa a difendere e promuovere e sostenere autonomia di pensiero e di azione, lontano dalla dinamica produttiva richiesta dal mercato.
TeatrInGestAzione è un organismo indipendente ed autofinanziato, che genera un discorso artistico svincolato dai tempi della produzione ufficiale, sempre troppo prematuri rispetto alla maturità piena dell’opera. Per questo immaginiamo forme alternative di sostegno, per non cedere il bene più prezioso che abbiamo: il tempo della gestazione. Dalla nostra prassi nasce dunque la convinzione che i processi di creazione debbano avvenire in luoghi non teatrali, dove si parla un linguaggio altro, dove tutto intorno è paesaggio da esplorare, lingue nuove da apprendere, umanità da accogliere.

 

 

Alto Fragile

We conceived a sole work, dispersing itself in time, with silent intervals. These intervals are the time of the neverending action and of the reflection to continue both inside and outside the scene: Alto Fragile.
A new theatre practice conceived not for a resulting play to put on stage but aiming to share the space and time of the research with the audience.

 

 

 

 

 

 

We conceived a sole work, dispersing itself in time, with silent intervals. These intervals are the time of the neverending action and of the reflection to continue both inside and outside the scene: Alto Fragile.
A new theatre practice conceived not for a resulting play to put on stage but aiming to share the space and time of the research with the audience.
ALTO FRAGILE represents the very moment in which creativity takes its form.
Precisely at the time of its birth, at its highest and most fragile apex (‘ALTO’ – high, ‘FRAGILE’ – fragile), it demands being written and lived, through an experience, through a biography. And at the same time, it requires us, all of us, to contribute, to lift ourselves to this new height. The audience can follow performers’ process. The artists offer to the spectator’s eyes a unique and unrepeatable moment – the dilated instant when creation occurs, the peculiar creative process that will generate the future creation. The audience thus penetrates the place where the daily work of the performer takes place. The performer does not show a predetermined result of the work, but instead, he or she offer the pulsing instant of the thematic question: its mutation into an action, a sound, a movement, a word, a sign and the effort the body makes to translate the founding topics of the work, which step after step, throughout this shared journey will find its stage formalisation.


Spectators can leave a thought and/or a question (anonymously) on the creative process they have witnessed. These thoughts are included in the development of the work.
We turn to the audience’s critical eye, to stimulate a critical autonomy by including them in the creative process, thus introducing them to the stage device.
The spectator meets the body of the actor-author in the space of an empty stage, with normal light, with no “theatrical effects”. With Alto Fragile we decided to renounce to theatrical means, the actor is thus seen only for his or her presence on an empty stage. Alto Fragile is this naked, unarmed presence showing itself when no staging tricks can shelter from mistakes and flaws. Yet it is exactly through such extreme fragility, through such vast possibility to wander and roam, through such nerve to start searching together with the audience, that we will try to create a new shared space, a new way of inhabiting such space: a public staging.